Les 10 meilleures techniques professionnelles pour vous aider à faire évoluer votre photographie vers de nouveaux horizons.
Contrairement à certains aspects de la photographie, l’art est quelque chose de difficile à définir et c’est un sujet ouvert à différentes définitions. Pour certains, le mot clé est art ; il s’agit d’un domaine qui met beaucoup plus l’accent que ce qui est peut-être plus habituel sur l’idée d’expression artistique à travers la photographie. En d’autres termes, si la photographie générale est intrinsèquement liée à la représentation littérale de quelque chose – un enregistrement véridique d’une personne, d’un lieu ou d’un événement – la photographie d’art est souvent liée à l’expression artistique personnelle et sans honte du photographe, dans laquelle l’image photographique se trouve être le principal support. En général, la représentation fidèle du sujet n’est pas l’objectif premier de la photographie d’art ; en fait, le qui, le quoi, le où, le quand et le pourquoi de l’image sont souvent laissés à l’imagination et à l’interprétation individuelle du spectateur. En tant que telle, la photographie d’art est souvent plutôt abstraite, voire surréaliste.
Cependant, certains pourraient suggérer que la photographie d’art est plutôt un euphémisme pour désigner la photographie haut de gamme en noir et blanc ; en effet, certains photographes décrivent leur travail comme de l’art alors que leurs images n’ont rien d’abstrait ou de surréaliste.
Cependant, il est vrai qu’il existe un lien historique fort entre les beaux-arts et le noir et blanc. Dans les pages qui suivent, vous découvrirez les techniques et les approches utilisées par les professionnels pour créer des images monochromes d’art qui sont évocatrices et fascinantes.
1 Capturez des sujets captivants
La photographie d’art en noir et blanc exige parfois que vous regardiez au-delà des sujets les plus attrayants que vous capturez habituellement.
Si la photographie d’art en noir et blanc n’était pas votre domaine de prédilection en tant que photographe, vous avez peut-être l’habitude de ne pas tenir compte des sujets et des scènes qui se prêtent le mieux à un traitement d’art.
Cela s’explique par le fait que nous cherchons inévitablement à créer des images qui plairont aux autres ; nous voulons recevoir des commentaires positifs sur les sites de photographie et récolter autant de “likes” que possible sur les médias sociaux. C’est une chose naturelle et, le plus souvent, nous y parvenons en essayant de produire des photographies d’une beauté classique. Il est donc tentant de se concentrer sur la capture des scènes de paysage les plus fascinantes ou des modèles les plus séduisants, en s’efforçant de faire de leur beauté l’ingrédient principal.
La photographie d’art en noir et blanc n’est pas nécessairement aussi préoccupée par la beauté évidente du sujet principal de l’image. Il s’agit, dans une certaine mesure, d’une caractéristique de ce qui constitue l’art. L’objectif du photographe est de présenter au spectateur sa vision de quelque chose sans filtrer ou diluer ses intentions artistiques en fonction de ce que le spectateur est susceptible de considérer comme beau.
Souvent, la photographie d’art en noir et blanc se concentre sur des sujets qu’un photographe pourrait normalement éviter, mais il trouve le moyen de les rendre visuellement attrayants ; le noir et blanc d’art se préoccupe davantage de réalisme que d’idéalisme. En ce sens, elle a des points communs avec la photographie documentaire, mais la photographie d’art s’en distingue par le fait que les décisions artistiques et d’interprétation du photographe sont beaucoup plus évidentes, le sujet étant clairement représenté d’une manière particulière qui correspond à l’objectif du photographe.
La photographie d’art en noir et blanc implique souvent une forme d’engagement émotionnel ou intellectuel avec le sujet de la part du photographe, et on a souvent l’impression que le photographe essaie de distiller un message ou un sentiment dans son travail. À l’inverse, certaines photographies d’art sont marquées par un sentiment de détachement émotionnel vis-à-vis du sujet.
2 Établir un style
Quel que soit le sujet que vous décidez de photographier, le noir et blanc artistique fonctionne mieux lorsqu’il est cohérent.
Comme nous l’avons déjà mentionné, la photographie d’art en noir et blanc est difficile à cerner et à définir avec précision : toute photographie en noir et blanc est-elle automatiquement de l’art ? Si non, quels sont les facteurs qui en font quelque chose de distinct ?
Une chose que l’on remarque souvent chez les photographes dont le travail est soit auto-défini, soit identifié par d’autres comme de l’art, c’est qu’ils ont un style très distinctif avec des modèles et des tendances claires. En général, ils photographient le même sujet – ou le même type de sujet – de manière cohérente et assez uniforme, en appliquant régulièrement les mêmes techniques d’éclairage, de composition et de traitement.
Cette précision élève le travail du photographe à un autre niveau et contribue à donner le sentiment qu’il crée intentionnellement et sélectivement un ensemble d’œuvres qui expriment sa vision personnelle. Commencez à sortir des sentiers battus et essayez de trouver votre propre style photographique”, explique le photographe Vassilis Tangoulis (www.vassilistangoulis.com). “Cherchez les messages et les sentiments que vous voulez exprimer à travers vos photos… Votre propre style est le miroir de votre monde intérieur et c’est le cadeau le plus précieux que vous offrez à tous les spectateurs de votre travail. Gardez vos exigences très élevées et ne soyez jamais satisfait de votre travail. Il est toujours possible de s’améliorer. Soyez jaloux du travail des autres artistes [car] cela signifie que vous pouvez travailler [plus dur] et améliorer vos propres compétences. N’ayez pas peur de montrer votre travail et ne vous souciez pas des indicateurs de popularité. Lorsque vous créez de l’art, vous devez avant tout vous satisfaire vous-même et votre sentiment d’accomplissement personnel.”
Le photographe Nate Parker (www.nateparkerphotography.com) affirme qu’il est important pour les photographes d’art en noir et blanc de développer un look qui leur est unique d’une certaine manière. “Pour moi, une œuvre de premier ordre est celle dont l’image résonne avec une sensibilité qui m’arrête net “ouah, regardez ça !” et qui inclut souvent, sinon habituellement, un sentiment d’individualité qui me donne l’impression de “je sais qui a fait ça !”, même si je ne me souviens pas de son nom !”
3 Travailler avec des figures nues
La forme humaine est un sujet classique qui se prête parfaitement à des interprétations plus créatives
L’un des sujets les plus fréquemment associés à la photographie fine art en noir et blanc est le nu. L’utilisation du noir et blanc est particulièrement importante ici ; elle envoie un message clair, bien qu’il puisse être inconscient, au spectateur que l’image est destinée à l’art plutôt qu’à une simple titillation.
“Une image en noir et blanc nous permet de prendre un peu de recul par rapport à la figure, je pense, et de voir la forme sans nous identifier aussi étroitement à l’individu photographié”, explique le photographe E.E. McCollum (www. eemccollum.com). “Il y a quelque chose de très beau dans la façon dont la lumière sur le corps est représentée en noir et blanc, ce qui n’est pas si facile à saisir en couleur, à mon avis. Le modèle est clairement une personne, mais il représente aussi quelque chose de plus, quelque chose d’universel.” Ainsi, la photographie artistique de nus en noir et blanc tend à être sensuelle plutôt que sexuelle, évocatrice plutôt qu’exploitante.
Le photographe Lee Nutter (www.leenutter.com) explique que l’absence de couleur est importante pour sa vision. “D’une certaine manière, les photographies en couleur en dévoilent trop”, dit-il. “Je recherche le brut et l’honnêteté… Je cherche une représentation fidèle de la personne telle que je la vois… Je vais vite devenir obsédé par un bel aspect de leur physique qui, à mon avis, est en quelque sorte représentatif de qui ils sont.”
Les sujets esthétiquement attrayants peuvent aussi constituer la base de la photographie d’art en noir et blanc, bien sûr, mais ils sont souvent déformés, subvertis ou abstraits de manière créative, d’une façon ou d’une autre, de sorte que le spectateur est obligé de voir le sujet avec un regard neuf – au point même de ne plus savoir s’il est censé trouver le sujet beau ou non.
Le travail du photographe Roberto Ojeda (www. ojedafineart.com) en est un exemple. Ici, le spectateur est confronté à un sujet aussi conventionnellement beau qu’une femme enceinte, mais Ojeda n’a pas présenté une représentation directe de la grossesse. Au contraire, il a choisi d’adopter une approche différente. “Lorsqu’une charmante femme enceinte est venue me voir et m’a dit qu’elle aimerait faire des photos de grossesse, mais qu’elle voulait quelque chose qui sorte de l’ordinaire, j’ai choisi la farine et une expression délicate pour créer une photographie qui ressemble à quelque chose de nouveau et en même temps à un souvenir lointain de sa première grossesse… La fraîcheur et le caractère iconique sont ce qui rend une photographie inoubliable et, pour y parvenir, il faut être ouvert à l’expérimentation fréquente.”
Dans l’image vue en haut, Ojeda a travaillé avec du film alimentaire. “Dans cette série, j’ai attaché le sujet avec le film pour montrer combien de fois nous sommes prisonniers de liens cassables et nous ne réalisons tout simplement pas comment notre évasion n’est qu’à une décision près. Nous choisissons de ne pas voir au-delà du sentiment plutôt que de la réalité du refus de se libérer. Je travaille beaucoup et l’inspiration me vient quand j’en ai envie. Je suis toujours attentif.”
4 Utilisez les ombres
Ce qui n’est pas visible est souvent plus important que ce qui l’est.
Le clair-obscur – le jeu dramatique de l’ombre et de la lumière – est extrêmement important dans tout art. Il contribue largement à l’atmosphère de vos images et, plus concrètement, il dirige l’attention du spectateur vers les aspects clés de la scène ou ceux que vous souhaitez mettre en valeur.
C’est extrêmement important pour la photographie d’art en noir et blanc – souvent, vous pouvez créer un sentiment de tension dans vos images en laissant délibérément des parties de la scène dans l’ombre. Cette technique fonctionne particulièrement bien avec les nus, car elle vous permet d’éloigner le résultat de tout ce qui pourrait être interprété comme trop explicite et de le rapprocher d’un ton plus typiquement artistique.
Travailler avec une seule source de lumière principale, comme une fenêtre, est l’option la plus simple, mais vous pouvez également choisir de travailler avec deux ou plusieurs lumières si vous êtes en mesure de contrôler très précisément la diffusion de la lumière (avec des snoots ou des grilles en nid d’abeille, par exemple). Pour un effet plus spectaculaire, une lumière dure sera préférable, tandis qu’une lumière douce produira un résultat plus subtil, plus indulgent, mais peut-être moins frappant. N’oubliez pas que plus la source de lumière est grande par rapport au sujet, plus la lumière est douce. Si vous éloignez une grande boîte à lumière de votre sujet, sa taille relative diminue et la lumière qui tombe sur votre sujet devient plus dure.
Si vous photographiez votre modèle dans un espace très ombragé, le compteur de votre appareil photo peut compenser et surexposer la scène, et vous devrez peut-être utiliser la fonction de compensation d’exposition de votre appareil photo pour sous-exposer l’image.
5 Composez de manière sélective
Concentrez-vous sur un élément clé du sujet pour créer un résultat plus attrayant visuellement.
La photographie d’art en noir et blanc est censée être volontaire, le photographe s’efforçant de présenter un aspect particulier du sujet.
Il peut être tentant d’essayer d’incorporer autant de choses que possible dans le cadre, mais il est souvent préférable de choisir ce que vous incluez dans vos compositions, en particulier si vous essayez de créer des œuvres d’art. Je veux créer des photos à l’aspect lunatique avec des endroits sombres ou des paysages minimaux avec une grande partie d’espace négatif pour abriter mes sentiments”, explique le photographe Vassilis Tangoulis.
Choisir un seul sujet et le présenter isolé dans le cadre est une approche que vous pouvez utiliser à cette fin. Le défi consiste à créer une composition équilibrée lorsque vous n’avez pas d’autres éléments sur lesquels travailler, mais avec de la pratique, vous y parviendrez plus facilement avec le temps. Pour vous y aider, prêtez attention à la partie de la scène ou du sujet qui vous touche le plus.
Comprendre la réaction émotionnelle est très important pour créer des images qui reproduisent non seulement ce que vous avez vu, mais aussi ce que vous avez ressenti ou ce que vous voulez que le spectateur ressente”, explique le photographe Arthur Ransome (www.aransomephoto. com). “Il est important de comprendre ce qui nous pousse à nous arrêter et à pointer notre objectif sur quelque chose, qui est souvent autre chose que ce que nous voyons simplement…. Il est d’une importance vitale de créer une sorte de connexion avec le sujet que vous photographiez. Cette connexion exige que vous respectiez le sujet, ce qui signifie souvent que vous devez vous asseoir avec lui pendant un certain temps avant même d’installer votre appareil photo pour prendre des photos. Étudiez la scène qui se trouve devant vous. Développez des connexions”.
Une autre approche consiste à ne photographier qu’une partie spécifique de votre sujet. Une fois de plus, cette approche peut s’avérer très efficace lorsqu’elle est appliquée aux études de nus en noir et blanc. Plutôt que de photographier le corps entier du modèle, vous pouvez choisir de ne photographier que ses jambes, ou seulement ses lèvres et sa bouche.
6 Utilisez des optiques créatives
Explorez un monde au-delà de l’arsenal conventionnel d’objectifs normalement utilisés.
En tant que photographe, vous pouvez aussi subvertir ou déformer par le choix de votre équipement. Ne vous inquiétez pas : vous pouvez utiliser n’importe quel type d’appareil photo pour la photographie d’art en noir et blanc. Toutefois, si votre objectif final est de produire des tirages d’art, vous pouvez envisager d’utiliser un capteur plein format pour bénéficier de la plage dynamique accrue et du meilleur contrôle du bruit que permettent ces appareils.
Ici, nous parlons principalement des objectifs. Les téléobjectifs courts à moyens – généralement des longueurs focales allant de 50 mm à 135 mm environ – sont souvent privilégiés par les photographes portraitistes car, par rapport à une longueur focale grand angle telle que 24 mm, ils ne déforment pas les traits du visage. Toutefois, la convention photographique et la représentation fidèle d’un sujet ne sont pas nécessairement les objectifs premiers du mono d’art.
C’est pourquoi les photographes d’art en noir et blanc peuvent décider de capturer leurs portraits en utilisant des focales grand angle afin de déformer les traits de leur sujet et d’ajouter un côté grotesque à leur travail. D’autres photographes d’art en noir et blanc privilégient l’utilisation de la gamme d’objectifs Lensbaby, qui permet d’obtenir une grande variété d’effets optiques qui rappellent les chambres photographiques de la fin du XIXe et du début du XXe siècle.
“Lensbaby est un type spécial d’objectif à bascule et à décentrement qui crée une distorsion floue sur les parties de l’image qui ne sont pas nettes”, explique Vangelis Bagiatis (www.500px.com/vbagiatis). “Ce que j’aime dans les objectifs Lensbaby, c’est qu’ils m’aident à créer un effet rêveur, parfois même surréaliste, et à ajouter de l’ambiance à mes photos… L’utilisation des lentilles Lensbaby, ainsi qu’une faible profondeur de champ, rendent floues certaines parties de la photo, contribuant à la faire ressembler à un souvenir ou à un rêve. J’aime aussi appliquer des textures subtiles sur mes images qui, combinées à la conversion en noir et blanc, ajoutent un soupçon de nostalgie. Je trouve cela particulièrement efficace lorsqu’il est appliqué sur les parties floues et sombres d’une image.”
Certains photographes utilisent même des objectifs fabriqués à la main. “J’utilise Lensbaby, [Lomography] Petzval, Helios et des objectifs faits main pour produire des nus et des portraits sensuels”, explique Mel Brackstone (www.instagram.com/melbrackstone). “J’aime les portraits doux, et j’adore le flou. J’aime ajouter un peu de mystère avec le flou ou l’ombre, et j’essaie parfois de créer une image qui raconte une histoire. J’utilise tous mes objectifs grands ouverts, donc f2-f3.5… De temps en temps, j’utilise l’objectif Sony qui est à f4, mais je le floute alors en postproduction”. L’expérimentation est la clé, car la prise de vue avec un Lensbaby ou quelque chose de similaire est très différente de la prise de vue avec une optique normale et il faudra beaucoup d’essais et d’erreurs.
7 Effets d’exposition multiple
Utilisez des expositions multiples dans l’appareil photo pour reproduire une technique cinématographique traditionnelle.
La photographie monochrome d’art consiste souvent à présenter au spectateur une représentation non littérale du monde – en lui montrant quelque chose qu’il peut reconnaître, mais en l’abstrayant d’une certaine manière.
Même si vous n’utilisez pas une optique créative telle qu’un Lensbaby, vous pouvez créer des effets dans l’appareil photo qui conviennent parfaitement à la photographie d’art en noir et blanc.
Un paramètre qui vaut vraiment la peine d’être exploré est le mode d’exposition multiple. Il est présent dans la plupart des reflex numériques et des CSC du marché, même si le nombre de variables sur lesquelles vous avez le contrôle varie considérablement. Le principe de base est que vous pouvez superposer différentes expositions dans la même image, ce qui pouvait être réalisé avec un appareil photo argentique en n’enroulant pas le film sur la prochaine image après une exposition.
Le plus souvent, il suffit de superposer deux expositions distinctes pour obtenir un effet attrayant ; toute autre exposition est généralement excessive, mais il faut toujours expérimenter pour voir ce que l’on peut obtenir. Pour que votre appareil photo numérique fonctionne de la même manière qu’un appareil photo argentique, assurez-vous que la fonction Gain automatique est désactivée. Lorsque le gain automatique est activé, l’appareil tente d’égaliser intelligemment les différences d’exposition entre les images. Cependant, essayez les deux et voyez ce qui fonctionne le mieux pour l’effet que vous essayez de produire.
8 Faites de l’abstraction avec des expositions longues
Utilisez des vitesses d’obturation lentes pour créer des effets uniques et rendre l’ordinaire extraordinaire.
Vous pouvez chercher à créer un sentiment de mouvement dans l’image en utilisant diverses techniques de prise de vue, qui s’articulent toutes autour de l’utilisation d’une longue exposition.
Bien qu’il ne vous vienne pas immédiatement à l’esprit à cette fin, vous pouvez utiliser le flash de votre flash pour abstraire un portrait. Le mode synchro rideau arrière indique au flash de se déclencher à la fin de l’exposition. Pour obtenir les meilleurs résultats, utilisez une exposition longue pour flouter tout mouvement, mais figez l’action lorsque le flash se déclenche. Vous pouvez combiner ce principe avec un éclairage continu ou, dans un espace autrement sombre, déclencher manuellement un flash deux fois ou plus pendant que votre modèle bouge.
Les expositions longues sont par nature difficiles à réaliser dans des conditions ambiantes lumineuses, mais les filtres à densité neutre (ND) résolvent ce problème. Ils sont généralement utilisés en combinaison avec un trépied pour garantir la stabilité de l’appareil photo pendant toute la durée de l’exposition, et c’est une approche que de nombreux photographes de paysages monochromes utilisent dans leur travail. En effet, cela peut être un moyen efficace de simplifier la composition, comme nous l’avons suggéré précédemment. “J’utilise souvent des filtres ND dans mon travail”, explique le photographe Matej Michalik (www. matejmichalik.com). “En utilisant des techniques d’exposition longue, je suis capable de voir les choses d’une manière qui ne peut pas être vue à l’œil nu. Je ne combine jamais plusieurs expositions en une seule et je n’utilise pas non plus Photoshop pour estomper l’eau ou le ciel… J’utilise des filtres ND très puissants, généralement deux en même temps. C’est ainsi que j’obtiens un temps de pose de deux à quatre minutes, même en plein jour. Grâce à cela, l’eau et le ciel sont flous sur la photo. Plus le temps d’exposition est long, plus j’obtiens un effet crémeux.”
Cependant, vous pouvez faire preuve d’encore plus de créativité dans l’utilisation des filtres ND, comme l’explique le photographe Martin Dietrich (www. martindietrichphotography.de). “Je travaille actuellement sur une nouvelle série dans laquelle j’utilise la surexposition causée par des vitesses d’obturation plus lentes (1/15 à 1 sec) en même temps que je secoue et balance soigneusement mon appareil photo, ce qui donne des photos qui ressemblent à des croquis abstraits.”
Cette technique, que l’on appelle communément “glisser l’appareil”, permet de créer toutes sortes d’effets différents. Une fois de plus, elle est fortement tributaire de l’expérimentation et il est pratiquement impossible de répéter un aspect particulier avec précision, mais cela fait partie du charme de cette technique.
9 Explorez différents rapports d’aspect
Ne vous limitez pas au format 4:3 ou 3:2 que votre appareil photo capture par défaut.
Lorsqu’il s’agit de captures monochromes d’art, l’utilisation d’un rapport d’aspect moins conventionnel est un élément important pour établir et maintenir un style et un aspect cohérents. Le format carré, par exemple, a quelque chose de très particulier dans la façon dont l’œil explore le cadre par rapport à un format rectangulaire, et il n’est donc pas surprenant que de nombreux photographes d’art le privilégient. Les formes sont souvent beaucoup plus convaincantes dans le format carré et il est possible de tirer parti de l’ensemble du cadre, ce qui est beaucoup plus difficile avec un rectangle.
“Pour toutes mes images, qu’il s’agisse d’eau, de campagne ou de paysages d’hiver, je choisis le format carré, le noir et blanc et la pose longue”, explique Pierre Pellegrini (www.pierrepellegrini.ch). “Ces trois caractéristiques m’emmènent tout simplement dans un monde invisible à nos yeux, détaché d’une réalité qui, de l’autre côté, est bien représentée par le format rectangle et la photographie couleur. Ce type de réalité ne me convient parfois pas, et c’est la raison pour laquelle j’essaie de m’échapper du monde réel en créant des images qui me permettent d’imaginer, de rêver, de fantasmer sur ma dimension personnelle, dans un monde fait de paix, de solitude et de calme. Pouvoir transmettre ces sentiments à d’autres personnes fait partie de mon objectif.”
Si vous voulez sérieusement photographier en format carré, Pellegrini recommande de ne pas laisser cette considération au stade de la post-production. “Je prends la plupart de mes photos avec un Hasselblad avec dos numérique Phase One P20+, le seul dos de format carré pour les prises de vue à longue exposition”, dit-il. “Par principe, je ne suis pas d’accord avec le recadrage de photos rectangulaires en format carré. Au début, j’ai dû accepter ce compromis mais, avec le temps, j’ai réussi à trouver un dos numérique, qui m’a permis d’obtenir le format carré ultime.”
10 Considérez la tonalité
Traitez vos images avec soin et ne vous fiez pas aux techniques de désaturation rapide.
La façon dont vous traitez vos images en post-production est extrêmement importante. “Il y a quelques décennies, les photographes d’art possédaient une chambre noire et les compétences nécessaires pour développer leurs propres films”, explique Vangelis Bagiatis. “Ils ne comptaient pas sur quelqu’un d’autre pour donner la forme finale à leur vision originale. Aujourd’hui, il en va de même avec la chambre noire numérique. Tout photographe d’art devrait maîtriser au moins les techniques de base pour développer numériquement ses fichiers RAW et ne pas se fier à des profils d’appareil photo prédéfinis ou à des filtres et modèles préfabriqués.”
Prêtez attention aux nuances de tonalité de vos images et reconnaissez que vous travaillez avec de nombreuses nuances de gris, pas seulement en noir et blanc. “Je pense que la photographie d’art en noir et blanc a plus de “couleur” que la photographie en couleur en raison de l’utilisation appropriée des multiples variations de gris. Le système de zones, introduit par Ansel Adams et Fred Archer, s’il est traité correctement, peut révéler beaucoup plus de profondeur et de drame que ce que la couleur peut offrir”, explique le photographe professionnel Vassilis Tangoulis. “Je travaille principalement avec Photoshop CC pour convertir mes photos en noir et blanc et pour la post-production de mes photos. Je travaille sur le traitement tonal, en ajoutant de nombreuses couches qui m’aident à traiter différemment certaines régions de la photo et j’accorde également une attention particulière au traitement du contraste. J’ai découvert que la maîtrise de ces deux flux de travail m’aide à donner une perspective pseudo 3D à mes photos. Je travaille également beaucoup avec les masques de gradient et le traitement de la lumière à l’aide de masques de luminosité est toujours un facteur clé dans mon flux de post-traitement.” N’oubliez pas, cependant, de ne pas pousser votre traitement plus loin que nécessaire.